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Rembrandt: Lección de anatomía y de vida Los falsificadores El Remolino Rembrandt: Lección de anatomía y de vida Hernando Guzmán Paniagua Periodista elpulso@elhospital.org.co “Constatad la maravilla mecánica de esta máquina de Dios”, decía el médico cirujano Nicolaus Tulp a sus alumnos, en la lección de anatomía que reprodujo el genial pintor holandés Rembrandt Van Rijn en 1632. Esta expresión, de una de las películas sobre la vida y obra del gran maestro del claroscuro, sumada a la apreciación de sus dos obras tituladas “La lección de anatomía”, dirige nuestra mirada al maravilloso universo estético en el cual Rembrandt (1606-1669) plasma sus intuiciones fundamentales sobre el cuerpo y sobre la luz como manifestación de vida y revelación de la naturaleza humana. Rembrandt fue un enamorado de Dios y de la vida. Sus contactos con cadáveres de ajusticiados le hicieron decir: “¿Quién se cree con derecho a acortar la vida de un hombre, aunque sea un minuto?”. Sus constantes pinturas de personas le motivaron esta reflexión: “Hay que mirar a Dios en la humilde carne del hombre”. Si uno se sitúa en el museo Mauritshuis de La Haya frente a “La lección de anatomía del Doctor Tulp” y “La lección de anatomía del Doctor Deijman”, aprecia no sólo dos de las más singulares obras pictóricas de Rembrandt, sino también el testimonio de las novedades que agitaban el mundo de la medicina en el siglo XVII, el triunfo gradual de la razón, la expresión plástica de una nueva forma de mirar el mundo. Necesariamente nos tenemos que remontar a las postrimerías del siglo XV y hallamos las dos primeras grandes obras anatómicas en Venecia, circunstancia muy reveladora además de esos vasos comunicantes que existen entre el Rembrandt del barroco y sus predecesores de la escuela veneciana: Caravaggio, Tiziano, Tintoretto y en especial Leonardo Da Vinci. Los trabajos del gran Galeno sobre el cuerpo humano habían dado paso a un largo período de vacío científico, y nuestra entidad corpórea apenas empezaba a emerger de las tinieblas como objeto de conocimiento. “La Lección de Anatomía del Doctor Tulp” “La lección de anatomía del Dr.Nicolas Tulp”, 1.632 Rembrandt, Mauritshuis Royal Picture Gallery, La Haya Este prodigioso óleo sobre lienzo que fuera adquirido por el rey Guillermo I, mide 169.5x215 cms., fue pintado en 1632 e ilustra una lección pública de anatomía, dictada por el doctor Nicolaus Tulp, maestro del gremio de los cirujanos. El médico utiliza pinzas o fórceps, para mostrar la disposición de tendones y músculos en un brazo del cadáver de un hombre ajusticiado por robar un abrigo. Es notoria la utilización de personas condenadas a muerte, como primeros “modelos” en las clases de anatomía; apenas en 1555, mediados del siglo XVI, se autoriza la primera disección del cadáver de un hombre y sólo en 1720, siglo XVIII, se permite lo propio con un cadáver femenino. La invención de teatros de anatomía donde el público asistía a estas intervenciones (incluso pagando la entrada), representó un avance frente a las prácticas de la Edad Media, cuando se distinguían las artes “liberales” de las “serviles”, y los cadáveres eran prácticamente descuartizados por carniceros, porque el cirujano no los podía tocar. En las pinturas que consideramos, un cuerpo inerte sirve para enseñar cómo se produce el movimiento, grandiosa expresión de esa dialéctica en la cual la vida se revela en la misma muerte. Acorde con su cristianismo acendrado, Rembrandt pretende plasmar la sabiduría de Dios al crear al hombre como mecanismo perfecto de la naturaleza. Observan la lección atentamente 7 alumnos del doctor Tulp, quienes reflejan en sus actitudes la sorpresa, el entusiasmo por el conocimiento, la atención concentrada. Sus miradas involucran al espectador en el cuadro, convirtiéndolo en un alumno más, lo meten en la escena y esto corresponde a otra cualidad de la pintura de Rembrandt: su cercanía al espectador, su carácter dialogante. Resalta de manera singular el papel de la luz como elemento organizador en la composición del cuadro. La luminosidad de los cuerpos es el punto dinámico en el contexto del claroscuro y si miramos con atención, descubrimos que el cadáver representa el elemento más luminiscente, por encima incluso de los seres vivos que completan la escena. Ello nos descubre la característica esencial de la luz en Rembrandt y en general en el período barroco: su papel estructural como geometría de la obra, papel confiado en el Renacimiento a la perspectiva. Por otra parte, las figuras que en otra época aparecían en fila, ahora están apiñadas, con lo cual el pintor introduce un sentido más realista en su estética. Más de un siglo después, Edouard Manet pinta una excelente copia de esta “Lección de anatomía”, con algunos cambios en la composición, comprensibles en el movimiento impresionista. “La Lección de Anatomía del Doctor Deijman” Este óleo sobre lienzo, de 100x134 cms., data de 1656 y fue plasmado por encargo, en vista del éxito obtenido con la primera “Lección de Anatomía”. Representa la disección del cerebro del condenado Joris Fonteyn, a quien el cirujano había ya extraído los intestinos y el estómago como lo ilustra la cavidad inferior. El asistente sostiene uno de los lóbulos cerebrales en este cuadro, donde apenas se ve la parte de abajo del cuerpo del doctor Joan Deijman. En realidad, la obra hubo de ser cortada debido a los daños que sufrió en un incendio y así no se aprecian el médico ni otras siete personas que recibían la clase. “La Lección de Anatomía del Doctor Deijman”, 1656 Al igual que en la lección del doctor Tulp, el muerto iluminado mantiene la orientación del claroscuro como fuente de luz, y hay además un elemento innovador: una pincelada más suelta que produce una sensación de aire, de una atmósfera con polvo dentro de una habitación cerrada. El profesor Diego León Arango, de la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia, sustentó en la “Cátedra Rembrandt” dictada el año anterior en el Museo de Antioquia en Medellín dentro de la programación de la exposición itinerante de grabados del pintor holandés en Colombia, el propósito de este cuadro al hablar de su intención moral y metafísica: ”El cuerpo humano aquí ya no funciona tanto como objeto de estudio a la manera de la 'Lección del Doctor Tulp', sino más bien como reflexión, como meditación sin palabras sobre la muerte”. Dicho sea de paso, la famosa fotografía del cadáver de Ernesto Che Guevara, asesinado en La Higuera (Bolivia) en 1967, muestra una extraña coincidencia en su composición con estas lecciones de anatomía, y con el renacentista “Cristo Muerto de Brera”, de Andrea Mantegna. Conclusión El genial Rembrandt Van Rijn no sólo crea sus propias reglas, su propia estética y su manejo autónomo de la luz y de la forma. Su espíritu trasciende el ámbito artístico para entregarnos su obra como visión global de la medicina, de la ciencia, de la filosofía y de la realidad social. En síntesis, es el humanista íntegro que tiene anclajes en el Renacimiento pero se sitúa en el barroquista siglo XVII como precursor del hombre moderno. Es el artista que lleva al lienzo, al papel y a la madera, toda la discusión de los siglos XV al XVII sobre el conocimiento, desde la visión de la luz natural (lumens naturalis) como revelación divina, hasta la luz de la razón que todo lo ilumina y todo lo interpreta y lo examina, preámbulo de las ideas cartesianas. “Rembrandt , triste hospital, lleno de murmullos,y decorado solamente con un gran crucifijo,donde la oración en llanto se evapora de los desechos,y una luz invernal lo atravesó bruscamente” (Baudelaire , Los Faros) Para el mundo de la medicina esta evolución será enriquecedora, en la medida en que cambia sustancialmente la actitud frente al cuerpo humano, esa cárcel de alma y causa de pecado, como se lo consideraba en la teología agustiniana, por una mirada profundamente científica. Ya desde 1543, los textos de Andrea Vesalio dan nuevos fundamentos a las explicaciones de los anatomistas. Ahora, las ideas calvinistas y el sincretismo religioso de un descendiente de judíos conversos como fue Rembrandt, permiten no sólo la libre interpretación de la Biblia sino también la exploración del cuerpo como objeto de conocimiento. Rembrandt fue un enamorado de Dios y de la vida. Sus contactos con cadáveres de ajusticiados le hicieron decir: “¿Quién se cree con derecho a acortar la vida de un hombre, aunque sea un minuto?”. Sus constantes pinturas de personas le motivaron esta reflexión: “Hay que mirar a Dios en la humilde carne del hombre”. Rembrandt, quien vio morir tempranamente a casi todos sus hijos, fue un hombre que siempre luchó por la vida y contra la muerte. Pese al infortunio, a una de sus esposas le dijo una vez: “La esperanza nos ha dado fuerza para construir vida”. Arriba Ocioso lector Los falsificadores Ana Ochoa Acosta Periodista elpulso@elhospital.org.co “La fruición con que narran los periódicos el descubrimiento de falsificaciones y falsificadores rodea a la cuestión de un atractivo irresistible. Se presenta a falsificadores como Hans van Meegeren, Elmyr de Hory y Tom Keating como héroes románticos, capaces no sólo de engañar a los acaudalados y presuntuosos, sino también a expertos en arte, cuya destreza se revela bien falible.” Según cita la página de Salarich en Internet, 'Corot pintó 10.000 cuadros, de los cuales hay 25.000 en los Estados Unidos'. La broma tiene su base real. Durante las postrimerías del siglo XIX, los paisajes de Corot alcanzaron tanta popularidad, que su falsificación cobró las proporciones de pequeña industria artesanal. Una prueba semejante de la popularidad de un artista fue la que dieron en época más reciente los falsificadores de las obras de Van Gogh, Gauguin y Picasso, y más de un millonario del petróleo tejano se ha visto obligado a reconocer que la mayor parte de su costosa colección está llena de falsificaciones.” En internet circulan los nombres y biografías de los más famosos falsificadores de pinturas, entre ellos están: Keating, “el falsificador inglés más famoso después de la II Guerra, ha negado hasta el cansancio que haya tratado de hacer pasar sus pastiches por obras de otros artistas. Sin embargo, en 1976 se celebró en una galería privada de Londres una exposición de «obras recientemente descubiertas de Samuel Palmer». Todas las obras expuestas eran de Keating. Han van Meegeren. La Cena de Emaús, de Han van Meegeren, en el estilo de Vermeer (1632-1675), un óleo sobre tela, es la falsificación más conseguida del más grande falsificador de nuestro tiempo, que hizo tragar el anzuelo a los expertos. Pero no consiguió engañar a todos. Su éxito temporal se debió en parte al hecho de que pintó sus cuadros inmediatamente antes y durante la Segunda Guerra Mundial. Las insólitas circunstancias impidieron un examen adecuado. Algunos expertos se dejaron engañar hasta tal punto por las falsificaciones de van Meegeren que se resistían a creer su afirmación de que él mismo las había pintado (muchos falsificadores sienten una necesidad patológica de publicitar su fraude). En 1945 pintó un «Vermeer» bajo la supervisión de la policía. En 1947, poco antes de su muerte, fue llevado a juicio. Elmyr de Hory. En la Mujer con sombrero, de Elmyr de Hory, no podemos decir que nos encontremos ante una falsificación, sino más bien ante una mala copia del celebrado retrato fauve que hizo Matisse de su mujer (Mujer con sombrero, 1905, colección privada). El extravagante De Hory pretendía haber vendido muchas falsificaciones de pinturas modernas a coleccionistas privados, no tanto para su ganancia personal como para poner de manifiesto la corrupción y avaricia imperantes en el mundo del arte. Sin embargo fueron muy pocos los expertos que se dejaron engañar por los pastiches de De Hory. Cuando se hizo famoso, De Hory se ganó la vida haciendo pastiches y copias que firmaba con su propio nombre de pila” Arriba Con 276 programas radiales emitidos en 17 municipios, la Facultad de Medicina de la Universidad Ponticifia Bolivariana de Medellín, su emisora cultural y la ESE Rafael Uribe Uribe, cumplen seis años de trabajo educativo a través de su revista radial Por la salud de los niños, transmitida todos los jueves de 11 a 12 m por Radio Bolivariana am (1110 kh). En el programa se tratan temas relativos a las enfermedades más comunes que afectan a los niños, sus causas, su prevención y la manera de manejarlas en el hogar mientras se busca atención médica”, explicó el Pediatra Luis Carlos Ochoa V., de la ESE Rafael Uribe Uribe y coordinador de la Red de Programas de Atención al Niño. La palabra sin territorio (hablar en la Postguerra Fría), es el nuevo libro del dominicano Eugenio García Cuevas, publicado por Alfaguara. Fernando Savater, Carlos Fuentes, José Saramago, Rosa Montero, Mario Benedetti, Ernesto Cardenal, Arturo Pérez-Reverte, Mario Vargas Llosa y Antonio Benítez Rojo son algunos de los incluidos en este texto de “debates, certezas e interrogantes que forjan el pensar y la acción de este mundo reciente” alrededor de la literatura, la filosofía, la política, el periodismo, la ética, la educación, las identidades, el espectáculo, el feminismo, la globalización, el neoliberalismo, el poder, la ciudadanía, los nacionalismos, el terrorismo, los fundamentalismos…”, según promete la presentación del texto. Joan Manuel Serrat, Ana Belén, Víctor Manuel, Miguel Bosé, Pedro Guerra, Pablo Milanés, Miguel Ríos, entre otros músicos, homenajearon al escritor Pablo Neruda haciendo el ejercicio singular de cantar sus conocidos poemas. Ya presentaron un primer espectáculo en Barcelona en el mes de mayo. La aparición del disco genera gran expectativa. Arriba